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Mit Jahan Loh ins Unendliche und darüber hinaus

Mit Jahan Loh ins Unendliche und darüber hinaus

March 5, 2024

Dies ist kein Märchen. Dies ist eine Luke Skywalker Underdog-Geschichte über Art Republik Coverstar Jahan Loh (* 1976), ein in Singapur lebender zeitgenössischer Künstler aus Singapur; Ich versuche immer noch, ein Zuhause in seinem Heimatland zu finden und würde wahrscheinlich einen Arm verlieren, bevor er es endlich tut. Seine Philosophie über Kunst und den Künstler ist so unkompliziert und zukunftsorientiert wie es nur geht: „Die zeitgenössische Kunst spiegelt das moderne Leben wider, da sich beide ständig weiterentwickeln. Künstler müssen sensibel auf Veränderungen in ihrer Umgebung reagieren, sonst könnte es sich als gefährlich erweisen, wenn sie sich unvorbereitet auf ihre kreative Reise begeben. Sie sollten ihre Praxis ständig weiterentwickeln und modifizieren und sich ständig bemühen, neue visuelle Elemente einzuführen, um ihr Publikum zu stimulieren. “

Jahan glaubt, dass ein Künstler bereit sein sollte, mit der sich ständig verändernden Welt voranzukommen, nicht unbedingt die Tradition zu brechen, sondern sie neu zu erfinden und immer offen zu bleiben; Es geht darum, Veränderungen anzunehmen und nicht zu bekämpfen. darüber, kommerziell zu sein, aber nicht ausverkauft zu sein; über Selbstausdruck, nicht Selbstentzug; über Leidenschaft, nicht Propaganda.

Jahan war immer auf dem Weg, den er nicht eingeschlagen hatte, und lehnte eine juristische Laufbahn ab, als er ein Stipendium für bildende Kunst am LASALLE College of the Arts in Singapur von Singapore Press Holdings (SPH) annahm. Die Schriftstellerin und Kuratorin Alexandra Chang schreibt in ihrer Einführung zu Jahans Buch, das seine künstlerische Reise von 2013 und früher mit dem Titel „Grundlegende Anweisungen vor dem Verlassen der Erde“ (2013) aufzeichnet, dass „er sich überheblich auf die Abstraktion in der Schule konzentriert Die Zeit stand im Widerspruch zu seinem Interesse an popkulturellen Ikonen und figurativen Formen. Um sich mit den Einschränkungen seiner Situation auseinanderzusetzen, schuf er ein Werk, das eine negative Bewertung des Dozenten in sein Programm und eine Reihe früherer Kritiken in sein Gemälde einbezog und Basquiat als seinen damaligen Einfluss zitierte. “


Palm Boy, 2009

Palm Boy, 2009

Jahan erregte weiterhin die Aufmerksamkeit von Nokia, verlor jedoch den Respekt der LASALLE-Kunstabteilung, die ihn kaum überholte. Nokia überreichte ihm jedoch eine Auszeichnung bei der Nokia Regional Awards Show 2000 nach einer Reisegruppenausstellung, die Singapur, Kuala Lumpur, Taipeh, Peking, Hongkong und Auckland besuchte.

Nach seinem Abschluss an der LASALLE setzte er sein Studium mit Schwerpunkt Design fort und erwarb seinen Master an der University of New South Wales, bevor er nach Singapur zurückkehrte, um seine Stipendienbindung innerhalb der SPH-Abteilung von zu erfüllen Die Zeiten der Straße Dort arbeitete er als Künstler und schuf Cartoons und Infografiken für die nationale Zeitung. Innerhalb eines Jahres brach er seine Bindung zu SPH ab und zog 2002 nach Taipeh, Taiwan, nachdem ihm dort eine Stelle angeboten wurde, wo er bei MACHI Entertainment unter Jeffrey Huang, dem Creative Director des Unternehmens, arbeitete.


In Taipeh wurde Jahan berühmt für seine Zeichnungen für Machis (Hip-Hop-Gruppe) CD-Hüllendesign und die Musikvideos der Band. Er gewann mehrere taiwanesische Musikpreise, darunter MTVs CD-Cover Design of the Year. Mit dem Boom in der taiwanesischen Musikindustrie gründete er 2004 zusammen mit Jeff und seinem Bruder Stanley Huang die Invasion Studios, um Albumcover und Musikvideos zu entwerfen. Mit der Weiterentwicklung von MP3- und Musikdownloads lehnte die Branche ab und Jahan richtete die Richtung der Invasion Studios auf Kunst und Animation, einschließlich der Herstellung von Vinylspielzeug. Seine Arbeit als kommerzieller und bildender Kunst- / Straßenkünstler markierte einen neuen Ansatz für Kunstpraktiken in Taiwan.

Jahan-Loh-Schweinefleisch-Mittagessen-C

Schweinefleisch Mittagessen C, 2011

Jahan ist der Typ, der das Leben ernst nimmt und nicht. Er folgt seinen Instinkten, wohin sie ihn auch führen mögen. Er erinnert sich: "Wenn ich zurückdenke, hätte ich nicht gedacht, dass das Ganze so groß werden würde ... aber damals waren wir noch eine sehr kleine Gemeinschaft."


2005 reiste Jahan nach New York, wo er mit seinem Kindheitsidol John 'CRASH' Matos zusammenarbeitete, um sich auf zwei aufeinanderfolgende Ausstellungen für Juni 2006 vorzubereiten. Während seines Aufenthalts in New York lernte Jahan auch den Künstler Phase 2 kennen, der endete eine entscheidende Rolle bei der Pflege von Jahans Identität als Person und Künstler zu spielen.

"Du hast asiatisches Recht, aber du malst wie in den 70ern. Wo ist deine Identität? " Jahan erinnert sich an Phase 2 und fragte ihn. "Als er das sagte, brachte er mich wirklich zum Nachdenken: Es ist wahr, ich bin Chinese, ich bin Singapurer, aber viele Menschen in China denken, ich bin Taiwaner, also was bin ich? Es gab diese Zeit, in der ich wirklich nachgedacht habe. “

Der Zusammenstoß, 2013

Der Zusammenstoß, 2013

Alexandra Chang schreibt: „Aus dieser Erfahrung heraus… [Jahan] begann, seinen Pinsel auf Chinesisch zu halten mao bi Stylen und malen Sie seine skriptbasierten Arbeiten in Schwarzweiß und beziehen Sie sich dabei auf die chinesische kalligraphische Tradition. Dies umfasste jedoch nur einen Teil von… [Jahans] künstlerischen Affinitäten und Schnittstellen als Künstler, der auf den Straßen in Singapur, Tokio und Taiwan sowie an der Kunstschule ausgebildet und von Graffiti-Künstlern aus den 1970er und 1980er Jahren in New York City und New York City geprägt wurde seine Welle des globalen Einflusses und das internationale Phänomen der Spielzeug-, Manga- und Comic-Kultur. Nachdem er mit den Grenzen der Kunstwelt und den nationalen Labels von Graffiti und Galeriekünstlern, Design und bildender Kunst sowie seiner eigenen kulturellen Identität zu kämpfen hatte, befand sich [Jahan] im Raum mehrerer überlappender Identitäten mit mehreren möglichen Kategorisierungen. “

Im Jahr 2006 wurde seine Arbeit mit CRASH auf der Esplanade in Singapur mit den Titeln "Collison I" und "Collison II" ausgestellt. Dies war die erste Graffiti-Kunstausstellung in einer formellen Kunstinstitution in Singapur. 2007 unterschrieb Loh bei der Mingart Gallery in Taipeh und veranstaltete 2008 seine erste Einzelausstellung in Taipeh, „Cherry Pop II“. Die kontroverse Ausstellung zeigte suggestive Aktbilder und Skulpturen, die ihm in den Medien viel Aufmerksamkeit schenkten.

Cherry Pop II, Jahans erste Einzelausstellung in Taipeh im Jahr 2008 in der Mingart Gallery

Cherry Pop II, Jahans erste Einzelausstellung in Taipeh im Jahr 2008 in der Mingart Gallery

„Cherry Pop“ ist ein Konzept, das ich 1998 konzipiert und 2003 aktualisiert habe, als die Bilder, die ich für diese Serie geschaffen habe, in meiner ersten Einzelausstellung in Singapur ausgestellt wurden. Ich habe es nicht nur getan, um mein Publikum anzuregen oder anzusprechen. Es war eher ein persönliches Projekt, Identität durch ein Spektrum von Emotionen zu erforschen “, erklärt Jahan.

Taiwanesische Kritiker erkannten ihn als einen der Schlüsselkünstler an, der die Pop-Art in Singapur international gemacht hat. Ebenfalls in diesem Jahr 2008 wurde er für 8Q-RATE ausgewählt, die Eröffnungsausstellung von 8Q SAM in Singapur. Nach der Show nahm er sich ein Jahr Zeit für ein Sabbatjahr, bevor er 2009 mit einer Einzelausstellung in 798, Peking, China, zurückkehrte, die von VANS gesponsert wurde. Die Ausstellung „The Great Wall“ war die erste Street Art-Ausstellung des Landes.

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„Die zeitgenössische visuelle Kultur umfasst eine Reihe von Praktiken in verschiedenen Disziplinen, Branchen und Medien“, sagt Tan Siuli vom Singapore Art Museum. „Von diesen hat vielleicht keiner in den letzten Jahren so viel Sichtbarkeit erlangt wie die Graffitikunst, was zum Teil auf die steigende Beliebtheit von Praktikern wie Banksy und Shepard Fairey zurückzuführen ist, deren ironisch kritische Kommentare die Stadtlandschaft als zufällige Begegnungen an Straßenecken prägen und Backsteinmauern. "

Im Jahr 2010 schuf Jahan als Kollektiv mit Jakuan Melendez von der ehemaligen 360 Toy Group und dem Hongkonger Schauspieler Edison Chen, der den Spitznamen „Etelier des Chene“ trug, Gemälde und Skulpturen von populären Pop-Motiven. Das Trio nannte sich "Treacherous Treis" und präsentierte seine Arbeiten im Museum of Art & Design in Singapur. Von diesen ikonischen Pop-Motiven ist vor allem seine Serie „Hello Pussy“ (2010) zu nennen, bei der es sich im Wesentlichen um Glasfaserskulpturen eines blau getönten Hello Kitty-Charakters handelt, die jeweils von einer Blutlache umgeben sind.

Alexandra Chang schreibt: „Wenn diese Skulptur ('Hello Pussy') in den Rahmen der größeren Bandbreite der Werke des Künstlers gebracht wird, entspricht sie der offen sexualisierten hockenden weiblichen Form aus blauem Glasfaserglas, umgeben von einer roten Plastiklache aus Menstruationsblut in 'Cherry Pop' Mädchen 'aus seiner' Cherry Pop'-Serie. In 'Hello Pussy' verlagert sich die Arbeit von einem geradlinigeren jugendlichen Blick auf die weibliche Sexualität und signalisiert stattdessen ein Spiel mit der Unschuld und den vielschichtigen und multivalenten Gesichtspunkten, die der Künstler durch Komprimieren vieler Momente in einem einzigen Bild erfassen kann - alles durch eine Kindheitsikone, die ins Erwachsenenalter übergeht. “

Nachdem er neun Jahre in Taiwan verbracht hatte, kehrte Jahan 2011 nach Singapur zurück, wo er seine Serie 'Cherry Poke: Reconstructed Philosophies' (2011) schuf, die in verschiedenen Ausstellungen gezeigt wurde, darunter eine Einzelausstellung 2011 auf der Esplanade in Singapur und eine Gruppenausstellung 2012 mit dem Titel '15 Minutes Eternal ', eine Ausstellung von Andy Warhol im ArtScience Museum, Marina Bay Sands, Singapur.

„Ich wollte mich von meinem alten figurativen Stil lösen und eine Reihe von Stillleben schaffen, die meine Nationalität als Singapurer definieren, da ich das Gefühl hatte, dass nach einigen Jahren in Taipeh sogar einige chinesische Kunstmagazine schreiben, ich sei Taiwaner. Sagt Jahan.

Gone to the Dogs, 2013

Gone to the Dogs, 2013

2013 entstand dann „Working Class Hero“ (2013), in dem Jahan Ikonographie und Popkultur in einer Einzelausstellung in den Chan Hampe Galleries im Raffles Hotel, Singapur, neu kontextualisierte. "Working Class Hero" führt neue Wege ein, vertraute Erzählungen zu betrachten, und würdigt die alltäglichen unsichtbaren Helden durch pop- und religiöse Referenzen, die eine zeitgenössische Untersuchung von Singapur und darüber hinaus erforschen.

„Bei diesen Symbolen aus den Massenmedien geht es nicht darum, sofort an Popularität zu gewinnen, sondern darum, eine Verbindung herzustellen, um soziale Feinheiten ans Licht zu bringen, damit sie ehrlich erforscht werden können“, sagt Jahan. „Von den Superhelden, die in der Comic-Welt für Gerechtigkeit kämpfen, bis zu den menschlichen Helden, die jeden Tag in der realen Welt etwas bewirken… ['Held der Arbeiterklasse'] ist eine Aufzeichnung der Taten unsichtbarer Helden… Die Dekonstruktion populärer Ikonen in Meine neue Serie wurde gemacht, um nicht nur eine kritische oder philosophische, sondern auch eine intergalaktische Aufgabe zu erfüllen: die Wahrnehmung der Realität zu verändern und neue Räume des Seins und Werdens zu eröffnen; eine, die sich mit der Möglichkeit neuer Formen, neuer Körper und neuer Gedanken befasst. “

In den nächsten zwei Jahren veröffentlichte Jahan „Basic Instructions Before Leaving Earth“ (2013), eine Bibel seines Oeuvres; Teilnahme an einem viermonatigen Aufenthalt bei ESKFF bei MANA Contemporary, Jersey City, New Jersey, USA; Junggesellenabschied aufgegeben; hat verschiedene in Auftrag gegebene Kooperationen durchgeführt, darunter eine mit dem in Singapur ansässigen Sneaker-Einzelhändler Limited Edt zur Eröffnung seines neunten Geschäfts, in dem er eine lebensgroße 150 kg schwere Michael Jordan-Skulptur mit dem Titel „Full Metal Twenty Three“ (2014) schuf; und begann sich auf seine neue Serie "STATIC PARITY:" (TBA) vorzubereiten.

Von der Bekanntheit als "Dazed-J", als er Anfang der 90er Jahre zum ersten Mal in die Straßenkunst einstieg, bis hin zu seinem eigenen "Jahan-Loh" -Tag auf (möglicherweise der beliebtesten Straßenkultur-Website der Welt) Hypebeast ist Jahan ein bildender Künstler, der Teil der Zukunft, Teil der Gegenkultur ist und Techniken und eine Denkweise hat, die Teil der Kunst, Teil der Straße ist. Seine Arbeit ist sowohl hochmütig als auch niedrigmütig, witzig, aber nicht übermäßig intellektualisiert, verspielt und dennoch schmackhaft. Von Neo-Pop-Girls über intergalaktische Helden, Kapkreuzfahrer bis hin zu Drachenjägern ist Jahans Welt der grafischen Wunder voller populärer Bilder, säuregewaschener Traumlandschaften und kryptischer Wortspiele.

Der Auferstandene 1, 2013

Der Auferstandene 1, 2013

Er ist wohl einer der führenden Künstler Singapurs und hat Singapur in New York, Los Angeles, Glasgow, Melbourne, Japan, Malaysia, Hongkong, Korea, Taiwan und China vertreten. und arbeitete mit massiven globalen Marken wie Nike, Adidas, VANS, Sony und Reebok zusammen; mit Werken in vielen Privatsammlungen und Museen auf der ganzen Welt. Art Republik holt telepathisch seinen zweijährigen Jubiläums-Coverstar „Jedi Master“ ein (seit er Teil des kollektiven Künstlerbeitrags „Guardians of the Garden City“ in Ausgabe 5 ist). Art RepublikAusgabe zum einjährigen Jubiläum), um sich mit der Kunstszene in Singapur auseinanderzusetzen und zu erfahren, was er derzeit vorhat.

Sie waren in vielen Ländern wie New York und Taiwan unterwegs. Wie ist es, Künstler in Singapur zu sein? Was halten Sie von der Kunstszene in Singapur?

Fast ein Jahrzehnt weg zu sein und nach Hause zurückzukehren, um mein Studio einzurichten, war eine echte Reise. Mir wurde klar, dass die Regierung in einer der teuersten Städte der Welt ein riesiges Gewächshaus gebaut hat, um die Kunstszene Singapurs zu vergrößern.

In Ländern, die ich gezeigt habe, geschehen die Dinge viel organischer. Während meiner achteinhalb Jahre in Taipeh wuchs meine Karriere in der Kunst organisch, da ich beim Eintritt in dieses Kunstfeld den Marktkräften ausgesetzt war. Ich wusste nicht, dass der National Arts Council (NAC) in Taipeh umfangreiche Kunstfinanzierungsprogramme und -infrastrukturen für singapurische Künstler anbietet.

Es war eine Herausforderung für mich, mich selbst zu finanzieren und als Vollzeitkünstler zu überleben, meine Studiomiete, Materialkosten und Bedenken hinsichtlich verschiedener Aspekte des Lebensunterhalts zu verwalten, aber ich denke, alles geschah aus einem bestimmten Grund, und diese verschiedenen Rückschläge und Erfahrungen spielten eine Rolle Teil meiner Kunstpraxis.

Durch das Feuer, 2011

Durch das Feuer, 2011

Ich war zwei Jahre lang ohne Einkommen, als ich mich in Taipeh auf meine erste Einzelausstellung vorbereitete, und nach dieser harten Saison wurde mir klar, dass nichts schlimmer werden könnte, wenn ich das durchleben könnte. Wenn Sie ohne angeschlossenes Reagenzglas in der Welt überleben müssen, sind Sie widerstandsfähiger und können nicht nur überleben, sondern auch gedeihen.

Das Grant-System eignet sich hervorragend als Kick-Starter und als gutes Unterstützungssystem für Künstler, um Programme zu nutzen, um größere Höhen zu erreichen. Ich denke, dass Künstler sich mit einem guten System der Unterstützung neu erfinden und über unser lokales Publikum hinausdenken müssen, um Bewusstsein zu schaffen, eine Gefolgschaft in Übersee aufzubauen und eine Nische zu schaffen. Das Zuschusssystem ist ein Mittel, kein Zweck. Es ist nicht gut für Künstler, sich zu sehr darauf zu verlassen. Obwohl das Stipendiensystem geschaffen wurde, um das Wachstum des Künstlers zu fördern, werden einige Künstler oft zu sehr von ihm gefüttert, als dass diese Unterstützung das Wachstum eines Künstlers behindert.

Die Mehrheit der lokalen Künstler hat Angst, wenn sie die Schule verlassen, und riskiert nicht, Vollzeitkünstler zu sein. Die meisten kehren in ihre Komfortzone zurück, in der in der Schule unterrichtet wird. Unser lokaler „Künstler“ hat einen Vollzeitjob als Pädagoge und leuchtet und schafft Kunst in Teilzeit. Ich sehe dies nicht als gesundes Zeichen, da beide Karrieren gefährdet sind.

Kreativität gilt nicht nur für die Kunstwerke, sondern ist ein ganzheitlicher Ansatz, wie Künstler ihre Kunstpraktiken betreiben. Ich wurde oft als Werbekünstler gebrandmarkt, weil ich nicht in die traditionelle Form eines „reinen“ Künstlers mit abstrakten Konzepten passe, die nur einige wenige verstehen können. Meine Kunst ist ein reflexiver Ausdruck der Gesellschaft und der konsumistischen Kultur, in der ich aufgewachsen bin. Pop-Art, als die ich meine Werke klassifiziere, muss sich an die Massen wenden, um abstrakte Konzepte liebenswert und ästhetisch zu vereinfachen erfreuliche Formen, sei es Malerei, Skulptur oder sogar Waren, die ich manchmal als Kunst betrachte. Die unterscheidende Tatsache ist, dass ich meine Skulpturen auch dann schaffen und herstellen werde, wenn sie nicht den Anforderungen des Marktes entsprechen. Ich werde weder mein Konzept noch meinen Stil verbiegen. Meine Kunst und das, was der Markt will, laufen vielleicht parallel, aber sie werden sich nie treffen.

Darum geht es in der Popkultur; Wenn Sie etwas mögen, neigen Sie dazu, es zu kaufen, und ich bin verwirrt von puristischen Künstlern, die meine Kunst als kommerziell beschreiben, wenn sie so oberflächlich sind, die Kunst nach ihrer Ästhetik zu beurteilen. Dies zeigt nur, wie kurzsichtig man sein kann, wenn man eine ganze Karriere damit verbringt, in einem Gewächshaus zu überleben, das vor den Elementen geschützt ist. Große Meister wie Salvador Dali übernahmen zeitgenössische Aufträge und entwarfen sogar das Chupa Chups-Logo. Größen wie Picasso, Gaudi und Andy Warhol hatten alle einen Fuß in der Geschäftswelt, da ihre Kunst für die Zeit relevant ist. Dies scheint jedoch für Kuratoren und Künstler hier in Singapur ein schwieriges Konzept zu sein. Unser Kunstmarkt ist relativ jung mit einem beschleunigten Wachstum der Infrastruktur und der Kunstmessen.

Kunst ist ein Schlüsselinstrument für Singapurs Bestreben, ein Land der Ersten Welt zu werden. Der immaterielle Wert der Kunst ist eine entscheidende Komponente, um die Kunst dazu zu bringen, Singapur als entwickelte globale Stadt zu projizieren.In Taiwan ist die durchschnittliche taiwanesische Mittelschicht eingeklemmt und sie haben es viel schwerer als die Singapurer. Doch wie sie sich in Bezug auf Kunst fühlen - es ist ein Teil ihres Lebens, der sich in ihrem Selbstausdruck zeigt, wie sie sich kleiden, wie sie ihre Häuser verschönern, ihren Alltag -, umarmen und übernehmen die Taiwaner diesen Lebensstil. Leider habe ich das Gefühl, dass Kunst in Singapur nicht die Zeit hatte, organisch zu wachsen. und das könnte Jahrzehnte dauern.

Was fehlt uns in Singapur, um das zu erreichen?

Wir haben großartige Galerien und Museen, aber leider fehlt uns der Inhalt und die Software, um diese Institutionen zu füllen. Inhalte füllen nicht den Raum, sondern ziehen tatsächlich das Publikum an, das die Werke sehen möchte. Ich denke, es gibt Raum für aufschlussreichere Kuratoren, die die Strömung kennen und die lokale Kunst verstehen, und für mehr ausländische Kuratoren aus dem Westen, die unserer Kunst eine neue Perspektive geben, da es für uns schwierig ist, uns von einem Standpunkt der dritten Person aus zu sehen der Ansicht. Ich denke auch, dass wir erfahrene Künstler als Pädagogen brauchen, die die Schüler auf eine Karriere als Künstler vorbereiten können.

Wie ist der Eindruck der Kunstszene in Singapur in New York?

Ich bin mir nicht ganz sicher, was sie denken, aber die meisten New Yorker denken immer noch, dass Singapur ein Teil Chinas ist…

STATISCHE PARITÄT (Vorschau)

STATISCHE PARITÄT (Vorschau)

Erzählen Sie uns mehr über all Ihre bemerkenswerteren Kooperationen als Künstler.

Ich denke, Kooperationen sind immer interessant, da sie Künstler oder Organisationen zusammenbringen, um etwas Neues zu schaffen. Ich denke, das interessanteste für mich war die Zusammenarbeit mit John 'CRASH' Matos in Singapurs erster institutionalisierter Graffiti-Street-Art-Show, die ziemlich relevant war, da CRASH eines der Gründungsmitglieder dieser Kunstform und ein Pionier des New Yorker Graffiti-Künstlers war ausgestellt neben Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat und Keith Haring. Andere interessante Kooperationen waren mit Handelsmarken wie Adidas, Vans und Reebok, die meiner Kunst eine Plattform gaben, um auf einem ganz anderen Medium gezeigt und ausgedrückt zu werden. Ich hatte meine erste Einzelausstellung in Peking, die von VANS gesponsert wurde, und ich war froh, dass die Leute, die die Show sahen, nicht nur Leute aus der Kunstszene waren, sondern von Jugendlichen, die normalerweise keine Galerie betreten würden. Ich glaube immer noch an Kunst für die breite Öffentlichkeit, und ob sie mein Konzept in einer Show bekommen, sind sie zumindest damit konfrontiert.

Es scheint einen zunehmenden Trend zu geben, dass Künstler nicht mehr diejenigen sind, die ihre Kunstwerke tatsächlich schaffen. Stattdessen kommen sie nur auf Ideen und lassen andere Menschen ihre Werke schaffen, insbesondere mit skulpturalen Werken. Was halten Sie als Künstler, der viele Skulpturen schafft, dazu? Sehen Sie das als Problem? Nehmen Sie auch an diesem Prozess teil? Erzählen Sie uns gleichzeitig Ihren künstlerischen Prozess.

Ich denke, das ist die Postmoderne in vollem Gange ... Tod der Autorschaft. Ich bin ziemlich selbstbewusst und mache alle meine Bilder alleine, was für meine geringe Produktivität verantwortlich ist, da ich dazu neige, meine Bilder zwanghaft zu verwenden, bis sie endgültig gelöst sind. Mit meinen Skulpturen sind sie eine Erweiterung meines Hobby im Teenageralter, Spielzeug im Maßstab 1/6 herzustellen, und die autodidaktischen Fähigkeiten, die ich beim Erstellen von Kopfformen von Figuren erworben habe, haben mich dazu gebracht, meine Kunst ab 2007 in Taipeh in 3D zu schaffen. Ich habe vier Monate gebraucht, um meine erste lebensgroße „Cherry Pop“ -Mädchenskulptur zu schaffen, die von einer Maquette ausgeht. In letzter Zeit habe ich mehr mit Metall gearbeitet und den Gießprozess an eine Gießerei weitergegeben, die bei der Herstellung der Form und dem Gießen der Bronzeskulpturen hilft.

Erzählen Sie uns von Ihrer neuesten Serie und worum es geht.

"STATIC PARITY:" ist die Serie, an der ich gerade arbeite. Sie wurde während meiner Kunstresidenz bei ESKFF bei MANA Contemporary konzipiert.

"STATISCHE PARITÄT: GENESIS": Das Streben des Menschen nach Wahrheit und Wissen ist immer auf die Größe unseres Gehirns beschränkt. Das Universum befindet sich immer in einem Zustand statischer Parität und in ständiger Gleichheit. Die Suche nach dem Ursprung des Menschen findet sich in religiösen Texten sowohl aus dem Judentum als auch aus dem Christentum. Selbst mit der modernen Wissenschaft ist es unmöglich, Leben aus Nichtleben zu erschaffen. Wie sind wir Menschen dazu gekommen? Das innere Wesen des Menschen besteht aus höherer spiritueller Energie sowie aus der Energie, aus der sich das Material entwickelt hat. Die Masse macht nur eine materielle Abdeckung dieser Energie sichtbar. Aufgrund seiner höheren Kraft kann das Geistige die niederen Energien beeinflussen, zu denen auch das Material gehört, und es kann es kontrollieren. Menschen, die in jedem Lebensbereich die Vollkommenheit erreicht haben, sagten, dass alles von selbst gemacht ist.

Durch mein Studium und meine Interpretation von Adam und Eva versuche ich, ihre spirituelle Aura in dem Moment zu erschaffen, in dem der Mensch gefallen ist.

Story Credits

Text von Marc Wong

Dieser Artikel wurde ursprünglich in Art Republik veröffentlicht


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