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Die Opera Gallery präsentiert auf der Art Stage Singapore 2018 Werke der koreanischen Künstler Sung-Hee Cho, Kwangyup Cheon und Kazuo Shiraga

Die Opera Gallery präsentiert auf der Art Stage Singapore 2018 Werke der koreanischen Künstler Sung-Hee Cho, Kwangyup Cheon und Kazuo Shiraga

March 5, 2024

Sung-Hee Cho, „Cosmic Fog ll“, 2015, 137 x 97 cm, Mischtechnik

In den letzten Jahren war die Kunstwelt ein Verfechter der modernen und zeitgenössischen koreanischen Kunst. Das Schaufenster der Opera Gallery auf der kommenden Ausgabe der Art Stage Singapore 2018 zeigt, dass das Rampenlicht immer noch hell ist und das regionale Interesse an dem Genre weiterhin stark ist.

Die Präsentation der Galerie beleuchtet die Gemälde der koreanischen Künstler Sung-Hee Cho (* 1949) und Kwangyup Cheon (* 1958) und ist eine Studie in erhabenem Kontrast und Ergänzung. Sowohl Cho als auch Cheon führen ihre künstlerischen Wurzeln auf Dansaekhwa oder die Monochrom-Bewegung in Korea der 1960er bis 80er Jahre zurück, und es gibt mehr Parallelen auf ihren künstlerischen Reisen. Beide absolvierten ein Kunststudium in den USA am Pratt Institute in New York. Cho studierte auch am Art Institute of Chicago und am Otis / Parsons Art Institute in Los Angeles. Als Künstler, die im koreanischen minimalistischen Malstil weitermachen, wo sie sich in stilistischen Ansätzen und Inspirationen unterscheiden, sprechen sie subtil mit den verschiedenen zeitlosen und zeitgenössischen Kräften, die die koreanische Kultur heute geprägt haben.


Die temperamentvolle Zurückhaltung ihrer Werke ist die Folie für das andere Starstück in der Vitrine der Opera Gallery, einem Gemälde des japanischen Gutai-Meisters Kazuo Shiraga (1925-2008) aus dem Jahr 1962. Gutai, die 1954 in Osaka gegründete japanische Avantgarde-Nachkriegsbewegung, setzte sich für Originalität und Individualismus ein. Ihre Mitglieder versuchten, eine neue authentische japanische Ästhetik zu schaffen, die die japanische Kultur von der gedankenlosen Konformität, die das Land anscheinend in den Krieg geführt hatte, erlösen und wiederherstellen würde.

Gutai-Kunstwerke verkörperten die wörtliche Übersetzung von „Konkretheit“ durch direkte Interaktion mit einer Reihe von Materialien und physikalischen Prozessen. In dem Bestreben, dass der Geist der Materie begegnet - um „den Schrei der Materie“ zu enthüllen, wie er im Gutai Art Manifesto geschrieben steht - kam niemand näher als Shiraga, der mit den Füßen inbrünstig auf seine Leinwände stampfte und sich später an der Decke und lassen Schwerkraft und Bewegung verschiedene Teile seines Körpers beim Malen lenken.

Kazuo Shiraga, "Ohne Titel", 1962, Öl auf Leinwand


Gemalt im Jahr 1962, als Shiraga anfing, mit seiner Suspended-Technik zu experimentieren, fängt „Untitled“ diesen kritischen Dreh- und Angelpunkt in seiner Praxis ein. Unapologetisch roh und pulsierend mit starken Spuren seines Körpers, der Farbe verschiebt und zerdrückt, ist die Arbeit eine viszerale Kraft in Öl. In der Mitte entzündet ein blutroter Fleck - eine Farbe, die in seinem Oeuvre eine herausragende Rolle spielt - Gedanken an Mut, Gewalt und groteske Schönheit.

Von den beiden ist Kwangyup Cheon in seiner Ästhetik und Philosophie repräsentativer für die Dansaekhwa-Tendenz. Dansaekhwa, die erste moderne Kunstbewegung in Korea, schuf geschichtete, minimalistische Gemälde, die durch Form, Materialität und sich wiederholende Prozesse nach koreanischer Essenz suchten. Was Cheons Gemälde auszeichnet, ist ihr unnatürlich flaches Aussehen, das an gewebte Textilien erinnert, die unter einer Lupe oder einer Datenmatrix auf einem Bildschirm zu sehen sind. Von weitem sind sie kühl abstrakte Werke, die an ihre äußerst niedere Schöpfung glauben; Aus der Nähe zeigen die Hunderttausenden von einheitlichen Punkten, die Zeile für Zeile gemalt werden, winzige menschliche Unvollkommenheiten und die Belastung der Zeit.

Kwangyup Cheon, „Omni No. 2“, 2016, 161 x 131 cm, Öl und Mischtechnik auf Leinwand


Cheon entwickelte seine Methode, alle Elemente außer der grundlegendsten Form - dem Punkt - zu eliminieren, indem er beobachtete, wie Cluster kleiner Punkte Mitte der neunziger Jahre von einem CNC-Programm (Computer Numerical Control) in Blätter gestanzt wurden. "Durch diesen Prozess", sagt er, "kommt das Kunstwerk der Reinheit der drei Schlüsselwörter näher: Materialität, Planarität und Neutralität." Fast so, als würde er nach einem flachen Nichts streben, das seine eigene Existenz leugnen kann, rufen seine Bilder Stille und stoische Stille hervor.

Die Werke von Sung-Hee Cho hingegen sind lebendige Verkörperungen des Geistes. Wie viele von Dansaekhwa beeinflusste Künstler wie Kim Minjung, koreanisches Maulbeerpapier oder Hanji ist eine Schlüsselkomponente von Chos Gemälden. Cho ist bekannt für Collagen aus handgerissenen Kreisen, die mit lebendigen Ölpigmenten überzogen sind. Er hat immer versucht, die Materialeigenschaften von zu bewahren und hervorzuheben Hanji in ihrer Praxis. Der dreidimensionale Effekt lässt ihre Stücke an blühende Blütenblätter und frisch gefallene Blüten erinnern, die vergänglich sind, schöne Materie kaum da, aber für einen Moment.

Sung-Hee Cho, „Der Stern im Kosmos“, 2012, 227 x 182 cm, Mischtechnik

Verglichen mit der kühleren zerebralen Natur von Cheons Arbeit basiert Chos Praxis auf der warmen Sinnlichkeit der koreanischen materiellen Kultur. Ihre Wahl der Materialien und Farben ist stark beeinflusst von Hanbok, Koreanische Tracht, die eine Intensität der Farben hat, aber eine weiche, natürliche Sensibilität behält. Es gibt auch eine Leichtigkeit und einen Hauch von Verspieltheit in Chos Werken, die in der minimalistischen koreanischen Malerei nicht oft wahrgenommen werden und die auf ihre Inspirationsquelle in der Kindheit zurückzuführen sind: „Ich habe eine starke Erinnerung an Hanbok Aus meiner Kindheit. Als ich jung war, trug meine Mutter immer Hanbok und ich folgte ihr zum Hanbok viele Male einkaufen.Im Gegensatz zu den meisten Menschen mochte meine Mutter einzigartige Farbkombinationen und natürlich nahm mein Farbsinn nach ihrem. “

Sowohl Gutai als auch Dansaekhwa waren Bewegungen auf der Suche nach einer nationalen Ästhetik, die die Gesellschaft neu beleben und den Wandel durch Kunst katalysieren wollte. Die Werke von Shiraga, Cheon und Cho enthüllen die feinen Gegenüberstellungen und Synchronizitäten in Farbe, Materie und Philosophie, die reichlich von den modernen künstlerischen und kulturellen Traditionen in Japan und Korea sprechen.

Weitere Informationen unter operagallery.com/singapore.

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Dieser Artikel wurde von Rachel Ng für Art Republik Ausgabe 17 geschrieben.

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