Interview: Uji 'Hahan' Handoko
Uji ‘Hahan’ Handoko wurde 1983 in Kebumen geboren und begann an der Fakultät für bildende Kunst des indonesischen Kunstinstituts in Yogyakarta. In einem ereignisreichen Jahr 2008 wurde er in den Top 30 zum Finalisten für den Sovereign Art Prize ernannt und übernahm das Artist-in-Residence-Programm des National Art Studio in Seoul, Korea. Einige seiner produktiveren Shows sind ArtJog14, Jogjakarta (2014); Die 7. Asien-Pazifik-Triennale für zeitgenössische Kunst (2012); Nationalgalerie von Indonesien, Jakarta (2011); Galerie Primo Marella, Mailand (2011); Korea International Art Fair, Seoul (2010); Kedai Kebun Forum, Yogyakarta (2010); Biennale Jogja X, Yogyakarta (2009) und Havanna Biennale, Kuba (2009).
Immer in einer atemlosen Flut von Adjektiven beschrieben: mutig, dreist, unkonventionell, rebellisch, Punk ... Der multidisziplinäre Künstler zeichnet sich durch eine sprudelnde neugierige Energie aus - immer hinterfragend, immer Grenzen des Möglichen überschreitend. Einer der Hauptaspekte seiner Arbeit ist die Dualität zwischen der Wahrnehmung von „hoher Kunst“ und „niedriger Kunst“. Seine Arbeit vergräbt den Realismus mit Schichten dramatischer Ornamentik und repräsentiert den Bruch zwischen Urbanisierung und Agrarismus, dem Osten und dem Westen, dem Lokalen und dem Globalen. Hahan setzt seinen Film, Musik-Street-Pop-Einflüsse, in eine eigenwillige visuelle Sprache um, die als wildes Gefecht auf der Leinwand zusammenkommt - kräftige Farben, für die er ein bekanntes Talent hat, seine Umrisse zu überschütten. Das „Färben außerhalb der Linien“ trägt zu der Bewegung und Spontanität bei, die für seine Ausgabe charakteristisch sind.
Trinity Series, 2015
Als wahrer Popkünstler versucht er ständig, Wege zu finden, um seine Ideen zu verwirklichen - als Sänger in der avantgardistischen Art-Punk-Künstler-Kollektivband Punkasila; seine Ablehnung von Leinwand, Experimentieren mit unkonventionellen Medien und Substraten; Verweben komplexer selbstreflektierender meta-gesellschaftspolitischer Themen zu „einfachen“, aber komplizierten Verbundwerkstoffen; Zusammenarbeit mit dem australischen Surf-Rasen-Label Hurley International, um seine Kunst so weit wie möglich seiner Community zugänglich zu machen - Hahan scheint allein einen Umbruch anzuführen. Art Republik holt den Rebellen des Künstlers ein, um zu sehen, was los ist.
Ihre Arbeit vereint eine Vielzahl Ihrer Einflüsse - Film, Musik und Straßenkultur - in einer eigenen visuellen Sprache. Denken Sie in Ihrer Praxis über Erzählungen und Geschichten nach?
Jeder der von Ihnen erwähnten Einflüsse hat eine andere Sprache, um eine Idee zu erzählen. Wenn ich nur die visuelle Form und ihre Verwendung kombiniere, darf sie sich nicht voneinander unterscheiden. Darüber hinaus möchte ich unter der Oberfläche graben, einschließlich ihres kulturellen und sozialen Hintergrunds, und sie dann mit meiner eigenen Sichtweise kombinieren, um sie zu meiner eigenen visuellen Sprache zu machen.
Die Menschen haben Ihre Arbeit als einen ständigen Kampf zwischen „hoher“ und „niedriger“ Kunst charakterisiert, Fragen der Polarität zwischen Ost und West, lokal und global - was interessiert Sie an Dualitäten?
Ich gehöre zu einer Generation, die anfangs nur sehr begrenzte Informationsquellen hatte, aber jetzt, mit dem Internet und der Globalisierung, haben wir mehr Zugang zu Informationen von West nach Ost - die Grenze zwischen „hoher“ und „niedriger“ Kunst ist geworden eine verschwommene und hybride. Ich bin im Moment in dieser Position und versuche durch meine Kunstwerke zu reflektieren, was heute passiert.
Einer für alle, alle für einen… .Verkauft (Detailansicht), 2014.
Inwieweit hat das Aufwachsen in Indonesien Ihre Herangehensweise an Ihre Perspektiven und Ihre Kunst im Allgemeinen beeinflusst?
Ich glaube, dass jeder Ort oder jedes Land seine eigenen Eigenschaften hat, die bewusst oder unbewusst die künstlerischen Eigenschaften eines Menschen prägen. Viele Faktoren in Indonesien, zum Beispiel die ungleiche körperliche Entwicklung und Einkommensverteilung, die Reibung der lokalen Tradition und der globalen Kultur in der Zeit der Offenlegung und insbesondere die Entwicklung der Kunstinfrastruktur, beeinflussen meine Sichtweise und mein allgemeines Denken maßgeblich . Insbesondere in Bezug auf die Infrastruktur für visuelle Kunst werden indonesische Künstler motivierter, über den Tellerrand hinaus zu denken und mehr zu experimentieren, obwohl es keine Stufen oder Ebenen der Künstlergründung und auch unzureichende staatliche Unterstützung gibt.
Sie haben bereits erwähnt, dass Ihre Künstlerresidenz in Seoul der Dreh- und Angelpunkt in Ihrem Leben war, der Sie davon überzeugt hat, ein zeitgenössischer Künstler zu sein. Wie war es während Ihrer Zeit dort, wie hat sich die Stadt auf Sie ausgewirkt und wie unterscheidet sie sich von Indonesien?
Zu dieser Zeit war Indonesien, insbesondere Jogja… die Gelegenheit als Künstler, Kunstresidenzen in Übersee zu machen, eine große und luxuriöse Sache. Das liegt daran, dass die Empfehlung und der Link selbst gegen sehr etablierte Künstler so selten zu bekommen und schwer zu konkurrieren waren. Für mich war dies mein Ausgangspunkt, der mich überzeugte und motivierte, eine Karriere als Künstler zu verfolgen.
Neben Künstlern und ihren Werken beeindruckte mich Seoul auch mit dem Aufbau einer Infrastruktur für visuelle Kunst, die von der Regierung und dem privaten Sektor aktiv unterstützt wurde. Es hat mir als Künstler wirklich die Augen geöffnet. Meine damaligen Arbeiten und Kunstpraktiken lagen weit hinter dem zurück, was ich dort erlebt und gesehen habe, und das fühlte ich noch mehr, nachdem ich mich mit dem Direktor von Leeum, Samsung Museum of Art, getroffen hatte.
Ich traf ihn mit einem Kollegen, der mit mir in der Residenz war. Er fragte zuerst meinen Freund, der aus Indien stammte, woher er stammte, und er erwähnte sofort „Anish Kapoor“ als vertrauten Namen. Dann wandte er sich an mich und stellte dieselbe Frage, entschuldigte sich jedoch schnell dafür, dass er keinen bekannten indonesischen Künstler kannte. Dies blieb bei mir und ist ein großer Teil dessen, warum ich mich bemühe, zu experimentieren und mich abzuheben.
Die Landschaft der universellen Probleme, 2016
Erzählen Sie uns mehr über Ihre Arbeit im Punkrock-Outfit Punkasila des indonesischen Künstlerkollektivs. Es ist nicht die einzige Band, in der du bist, oder?
Punkasila wurde 2005 von Danius Kesminas (in Melbourne ansässiger Künstler) in seinem Residency-Programm bei Asia Link über die Cemeti Art Foundation initiiert. Damals dachte ich, dass es sich nur um ein temporäres Projekt handelt, da es zunächst nur darum ging, einzuladen und zusammenzuarbeiten mit mehreren bildenden Künstlern (einschließlich mir) als Teil einer Rockband, was zu unserem Album 'Acronym Wars' führte. Aber dann entwickelte es sich weiter zu einem Kunstkollektiv, das von außerhalb der bildenden Kunst einlud. Jetzt läuft es seit 10 Jahren.
Meine anderen Musikprojekte, die gemeinsam mit verschiedenen Freunden gemacht wurden, sind "Black Ribbon", das 2004 gegründet wurde und das Rauschen mit einem analogen Tonbandgerät und einem DIY-Synthesizer untersucht. "Hengky Strawberry" wurde 2007 gegründet und fängt die nächste Welle elektronischer Musik und indonesischer Rave-Kultur ein. "The Spectakuler" wurde 2010 gegründet und war die Zusammenarbeit von "Black Ribbon" und "Demi Tuhan" mit Woto "Wok" Wibowo. "Anusapatis" wurde 2011 gegründet und kombiniert elektronische Musik mit schnellem Grindcore-Stil. und "N.E.W.S", gegründet 2013, eine Gesangsgruppe, die auf kuratorischen Text oder irgendetwas in der Kunstszene verbreiteten Text reagierte.
Nüchterne Generation, 2013
Wie ist der Arbeitsmodus für Sie? Ist es immer anders, abhängig von und der Art des Mediums?
Eigentlich ist meine Arbeitsweise immer die gleiche. Es gibt keine Unterschiede zwischen den Medien. Normalerweise beginnt es mit einer Idee oder einem Begriff, dann mit dem Konzept und im Endstadium mit der Wahl des Mediums. Jede Art von Medium hat ihren eigenen politischen Wert, und ich denke, die richtige Wahl des Mediums wird die Konzepte und Ideen am besten erweitern. Die Unterschiede in der Arbeitsweise mögen auftreten, aber nicht aufgrund des unterschiedlichen Mediums, sondern aufgrund der unterschiedlichen Beteiligung anderer, die als einzelner Künstler oder als Kollektiv arbeiten. Und wenn ich als Teil eines Kollektivs arbeite, gibt es zusätzliche Schritte wie Gruppendiskussionen und gemeinsame Entscheidungsprozesse.
Ist Humor ein wichtiger Teil Ihrer Arbeit?
Wenn ich in Indonesien unter einer Regierung lebe, die nicht mit Gegenseitigkeit regiert und ein instabiles soziales System antreibt, wird Humor natürlich wichtig, insbesondere, damit ich die Probleme in der Gesellschaft sehen und meine Ideen mit meinem Publikum kommunizieren kann.
Es ist bekannt, dass Sie Ihre Arbeit lieber im öffentlichen Raum haben und dass Ihre Arbeit für jedermann zugänglich ist. Ist das für Sie wichtig, um den Menschen ein Gefühl der Aufregung, der Ehrfurcht und des Staunens mit Kunst zu ermöglichen, ohne Erfahrung oder Informationen, die von ihnen vorausgesetzt werden?
Es spielt eigentlich keine Rolle. Ich glaube, jeder mit irgendeinem Hintergrund hat seine eigene Art, ein Kunstwerk mit oder ohne Erfahrung oder erforderlichen Informationen zu genießen. Dies ist für mich die Aufregung des öffentlichen Raums, in dem reiche und unvorhersehbare Perspektiven auftauchen werden. Für mich ist es auch wichtig, dass Kunst neue Verhandlungsräume für die Öffentlichkeit schafft.
Lucky Country Series # 2, 2013
Sie sind derzeit Markenbotschafter des Surf- und Streetwear-Labels Hurley International. Wollten Sie diese Zusammenarbeit mit Hurley schon immer machen?
Eigentlich habe ich auch meine eigene Bekleidungs- und Warenlinie, die ich in meinem zweiten Jahr an der Kunstschule angefangen habe. Es ist Teil meiner Strategie, Kunst leichter zugänglich zu machen, damit mehr Menschen erreicht werden können. Ich arbeite seitdem zusammen.
Mit Hurley haben sie eine starke Erfolgsbilanz bei der Unterstützung der visuellen Kunstszene, und es gibt keine Intervention von ihrer Seite in meinen kreativen Prozess. Darüber hinaus verwendet Hurley nicht nur meine Kunstwerke für ihre Produkte, sondern unterstützt auch meine anderen künstlerischen Bemühungen individuell und gemeinsam wie bei Ace House.
In der heutigen Kunstwelt, insbesondere in Indonesien, ist es wichtig, neue Möglichkeiten außerhalb der bestehenden Art der bildenden Kunst zu erkunden und neue Wege zu finden, um Ihre Botschaft zu verbreiten.
Was bedeutet Schönheit für dich? Normalerweise neigen Sie dazu, außerhalb der Linien zu färben, wodurch die Arbeit absichtlich unordentlich wird oder unvollständig erscheint. Ist Chaos etwas, das dich fesselt?
Ich genieße immer die Form von absichtlichen Fehlern. Es ist, als würde man die Begrenzung von uns als Menschen zeigen. Bei der Schönheit geht es mir nicht um das perfekte Ergebnis, sondern vielmehr darum, nach dieser Perfektion zu greifen.
Float der Linie, 2016
Was denken Sie derzeit über künstlerischen Ausdruck, Zensur und den allgemeinen Stand der politischen Korrektheit in der Welt?
Zensur sollte nicht einmal existieren, außerdem sollte sie von anderen Menschen kommen. Es gibt nur die Überlegung, die von uns selbst kommt, auch wenn sie von einem anderen beeinflusst wird. Aber die Entscheidung wird von uns getroffen und das ist der künstlerische Ausdruck.
Diese Geschichte wurde erstmals in Art Republik veröffentlicht.
