Feature: King of Pop Andy Warhol
Andy Warhol war eine führende Figur in der Pop-Art-Bewegung, die ab den 1960er Jahren die zeitgenössische Kunstszene dominierte. Sein Erbe ist von Dauer. 2012 veranstaltete das Metropolitan Museum of Art die Ausstellung „In Bezug auf Warhol: Sechzig Künstler, fünfzig Jahre“, in der 45 Warhol-Werke zusammen mit 100 Werken von 60 anderen Künstlern gezeigt wurden, die als Reaktion auf seine Werke entstanden sind oder von diesen beeinflusst wurden. Zu sehen waren Werke von Jean-Michel Basquiat bis Ai Weiwei, die die gesamte Bandbreite der Medien von Gemälden bis hin zu Fotografien abdeckten.
Warhols Einfluss ist nicht nur im Bereich der bildenden Kunst von Bedeutung. 2014 arbeitete Diane von Furstenberg mit der Andy Warhol-Stiftung für Bildende Kunst zusammen, um eine Kapselkollektion zu kreieren, in der 40 Jahre ihrer legendären Wickelkleider mit Drucken von Warhols Werken wie der 1964 begonnenen Serie „Flower“ gefeiert wurden 2013 hatte Prada dieselbe Serie für Motive in seiner Frühjahr / Sommer-Kollektion verwendet. Hier ein Blick auf Warhols Beiträge zur Pop-Art und warum er bis heute relevant und beliebt bleibt.
Triple Elvis (Ferus-Typ), 1963
Die Geburt der Pop Art
Pop Art ist eine internationale Kunstbewegung, die in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren begann. Der Begriff wurde 1958 vom englischen Kunstkritiker Lawrence Alloway geprägt, um sich auf populäre Kunstformen wie Werbung und Film zu beziehen. In Großbritannien wurden Künstler wie Peter Blake und Richard Hamilton mit Pop Art als Kunstbewegung in Verbindung gebracht. In Hamiltons berühmtem Werk "Was macht die heutigen Häuser so anders und so attraktiv?" (1956) wurde ein Wohnzimmer mit Ausschnitten aus verschiedenen Magazinen und Fotografien gezeigt.
In Amerika explodierte die Pop-Art, wie wir sie heute kennen, in den frühen 1960er-Jahren. Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist und Tom Wesselmann etablierten ihre Identität als Pop-Künstler schnell durch Kunstwerke, die Alltagsgegenstände wieder in Werke von Kunst.
Popkünstler verwendeten nicht nur Konsumgüter als Thema, sondern übernahmen auch den Stil, der in ihrer Produktion oder Vermarktung verwendet wurde. Zum Beispiel verwendete Lichtenstein Benday-Punkte - farbige Punkte, die gleichmäßig in einem bestimmten Bereich platziert wurden und häufig in der Zeitungs- und Zeitschriftenwerbung verwendet werden - für seine vergrößerten Rahmen von Comics.
Für Warhol wiederholte sein wiederholter Siebdruck von Bildern den Prozess der Massenproduktion von Konsumgütern. Der Künstler hatte in einem Interview gesagt: "Der Grund, warum ich so male, ist, dass ich eine Maschine sein möchte, und ich habe das Gefühl, dass alles, was ich mache und maschinenartig mache, das ist, was ich tun möchte."
Warhols Arbeit als Werbekünstler ebnete den Weg für seinen Pop-Art-Stil, der die polierte Ästhetik von Werbekampagnen trug, an denen er gewöhnt war. Nach seinem Abschluss am Carnegie Institute of Technology zog Warhol 1949 von Pittsburgh, Pennsylvania, wo er geboren und aufgewachsen war, nach New York. In den 1950er Jahren hatte er eine erfolgreiche Karriere als Werbekünstler und schuf Modeillustrationen für Harper's Bazaar und andere Zeitschriften und Schaufenster in Kaufhäusern wie Bonwit Teller.
Marlon, 1966
In der Tat war Warhol am Puls der Zeit, was die Massen ansprach, und demokratisierte die bildende Kunst mit seinen leicht verständlichen Werken. Warhol hat einmal behauptet, die Zuschauer hätten sich der Pop-Art verschrieben, weil "es so aussieht, als ob sie jeden Tag etwas wissen und sehen". Aufgrund ihrer Zugänglichkeit sprach Pop Art ein breites Publikum an, das traditionell nicht an Kunst interessiert war, und wurde bereits 1962 in Massenmedienmagazinen wie Time and Life berichtet.
Ikonenhafte Werke
Die bekanntesten Werke von Warhol sind die "Campbell's Soup Cans" (1962) mit 32 Leinwänden, die handgemalte Darstellungen der 32 verschiedenen Suppensorten zeigen, die Campbell's Soup Company zu dieser Zeit anbot. Diese wurden erstmals 1962 vom Galeristen auf einem Felsvorsprung in der Ferus Gallery in Los Angeles ausgestellt, als stünden sie in einem Regal, das gekauft werden sollte.
Die Vielzahl eines Bildes in Warhols Werk machte auf die Allgegenwart des gewählten Objekts aufmerksam. "100 Dosen" (1962) ist ein weiteres frühes Werk mit Campbells Suppendosen. Es wurde von Hand mit Schablonen bemalt. "200 One Dollar Bills" (1962) aus der "Dollar Bill" -Serie mit einem 20 x 10-Raster von Dollarnoten wurden auf der Grundlage derselben Idee und unter Verwendung derselben Methode erstellt.
Ein weiterer Haushaltsgegenstand, der in Warhols Händen Kultstatus erlangte, war unter anderem die „Brillo Box“, die Warhol als Holzskulpturen reproduzierte und ihre Verpackung im Siebdruck auf Sperrholzblöcke druckte. Diese wurden 1964 in der Stable Gallery ausgestellt.
Die Serie "Death and Disaster" ist eine weniger harmlose Sammlung von Werken, zu denen Werke wie "Orange Car Crash Fourteen Times" (1963) gehören. Warhol fotografierte Bilder von Tragödien aus Zeitungen wiederholt auf einer Leinwand. Dies geschah durch die Übertragung von Bildern auf die Bildschirme, eine kommerzielle Drucktechnik, die er ab Ende 1962 übernahm. Das Ergebnis waren schärfere Bilder als die handgemalten, die er zuvor hergestellt hatte.
Die Serie wurde erstmals in der Galerie von Ileana Sonnabend in Paris ausgestellt und war die erste europäische Einzelausstellung der Künstlerin. Übrigens stammt Warhols teuerstes Werk, das bisher versteigert wurde, aus der Serie, wobei "Silver Car Crash (Double Disaster)" (1963) bei Sotheby's im November 2013 einen Zuschlagspreis von 94 Millionen US-Dollar erzielte.
Warhol setzte in seiner Arbeit auch Bilder von Prominenten ein, wie Marilyn Monroe in "The Marilyn Diptych" (1962) und "Gold Marilyn Monroe" (1962). Die anhaltende Anziehungskraft der Werke des Popkünstlers zeigt sich in den Preisen, die sie bei den letzten Auktionen erzielt haben. Christies New York bot im November 2014 "Triple Elvis [Ferus Type]" (1963) mit einem lebensgroßen Elvis Presley in dreifacher Ausfertigung und "Four Marlons" (1966), eine Reproduktion eines Standbilds aus dem Kultfilm "The" von 1953 Wild One 'mit Marlon Brando. Die beiden Stücke erzielten 73 Millionen bzw. 62 Millionen US-Dollar.
Bei der Herstellung seiner Kunstwerke mit vorgefertigten Bildern und einem Förderbandsystem zum Drucken und Aufbringen von Farben gab es Kontroversen über die Urheberschaft seiner Werke, deren mechanische Produktion in die Hände seiner Assistenten in seinem Atelier, treffend The Factory genannt, verbannt wurde. Dies war ein Hinweis auf die Praxis vieler zeitgenössischer Künstler, Künstlerassistenten zu beschäftigen, um ihre Kunstwerke auf der Grundlage der Ideen zu gestalten, die sie sich einfallen lassen.
Das Leben fotografieren und filmen
In einem weiteren vorausschauenden Schritt dokumentierte Warhol sein tägliches Leben akribisch auf einem Tonbandgerät und einer Kamera, lange bevor soziale Medien wie Instagram aufkamen und soziale Einflussfaktoren schufen. Warhol hatte erklärt: „Ein Bild bedeutet, dass ich jede Minute weiß, wo ich war. Deshalb mache ich Fotos. Es ist ein visuelles Tagebuch. "
Unter den Bildern, die er mit seiner Polaroid-Kamera machte, die er ab Ende der 1950er Jahre mit sich führte, befanden sich Hunderte, vielleicht sogar Tausende von Standbildern von allem, von den Details seines täglichen Lebens in der Fabrik bis zu der Zeit, die er an Orten wie dem Studio verbrachte 54 in den 1970er Jahren. Es ist keine Überraschung, dass er einmal sagte: "Meine Vorstellung von einem guten Bild ist eine, die im Fokus steht und von einer berühmten Person." Viele der Polaroids waren Headshots von Prominenten, die in Musik, Mode und Film arbeiteten, darunter Leute wie die Sängerin Dolly Parton, die Modeschöpferin Diana Vreeland und der Schauspieler Jack Nicholson.
Campbells Suppendosen, 1962
Warhols Werke waren nicht nur eine Ikone, er war auch selbst eine Ikone geworden. Anstatt beispielsweise ein Warhol-Kunstwerk auf das Cover der ArtForum-Ausgabe vom Dezember 1964 zu setzen, auf dem der Künstler abgebildet war, wurde auf dem Cover ein Foto von ihm aufgenommen, das von dem Schauspieler Dennis Hopper tesselliert wurde, der seine Berühmtheit und seinen charakteristischen Pop bestätigt Kunststil auf einmal.
Während Warhol weiterhin Werke in seinem sofort erkennbaren Stil schuf, wie die malerisch siebgedruckte Serie 'Mao' in spielerischen Farbkombinationen in den frühen 1970er Jahren, begann er ab 1963, sich dem Bereich des Filmemachens zuzuwenden. Er produzierte Filme wie 'Sleep' '(1963), in dem Aufnahmen eines Freundes gezeigt werden, der mehr als fünf Stunden schläft, und der ähnlich statische achtstündige Schwarzweißfilm' Empire '(1964), der das Empire State Building von hell bis dunkel zeigt.
Mit "The Chelsea Girls" (1966) hatte Warhol kommerziellen Erfolg für seine Filmarbeit. Auf zwei Bildschirmen wurden verschiedene Filmmaterialien gleichzeitig abgespielt, die Gespräche und Monologe mit seinen Musen oder Personen enthielten, die er interessant fand. Sie wurden Warhol-Superstars genannt und hingen in der Fabrik rum. Basierend auf der Überzeugung, dass „jeder für fünfzehn Minuten weltberühmt sein wird“, rekrutierte er sie, um an seinen Werken teilzunehmen, wie in diesem Film, zu dem unter anderem der Singer-Songwriter Nico sowie das Model und die Schauspielerin International Velvet gehörten.
Gold Marilyn Monroe, 1962
Ein Vermächtnis hinterlassen
Warhol war revolutionär darin, neue Ideen zu entwickeln, um sein Leben als Kunst festzuhalten. Von der Illustration über die Malerei über den Siebdruck bis hin zum Filmemachen suchte er auf Schritt und Tritt nach innovativen Wegen, um die Schönheit und Fremdheit des Lebens zu gleichen Teilen einzufangen. Sein Kreis prominenter Freunde widerlegte eine introvertierte Natur, die ihm ein ausgeprägtes Gefühl für die Beobachtung des Lebens verlieh, was sich in seinen visuell wirkungsvollen Werken niederschlägt, die bis heute gefragt sind.
Während der Singapore Art Week 2016 wird die Ausstellung 'Andy Warhol: Social Circus' in der Gillman Barracks gezeigt, die von der Ryan Foundation ermöglicht wird, die im Dezember 2012 vom Naturliebhaber und Kunstsammler Ryan Su ins Leben gerufen wurde, um den Naturschutz und die Kunsterziehung zu fördern , einschließlich der Organisation von Kunstausstellungen für die Öffentlichkeit.
Die Ausstellung zeigt die größte Sammlung der Polaroids, die jemals in Asien gezeigt wurde. Rund 30 Polaroids aus Ryans Sammlung und einer weiteren Privatsammlung in Übersee werden das Who-is-Who der New Yorker Promi-Szene der 1960er bis 1980er Jahre hervorheben, darunter Warhol selbst sowie Bianca Jagger, Paul Anka und Keith Haring .
Der Kurator Khim Ong, der eng mit Ryan zusammengearbeitet hat, um die Ausstellung zusammenzustellen, sieht die Möglichkeit, private Sammler zu ermutigen, ihre Sammlungen auf ähnliche Weise der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. In Bezug auf den Wert der ausgestellten Polaroids stellt sie fest, dass sie, da sie nicht ausdrücklich als Kunstwerke, sondern möglicherweise als Archiv- oder Quellenmaterial hergestellt wurden, wertvolle Einblicke in die Praxis des Künstlers geben können, bei der es in erheblichem Maße darum ging, sie herzustellen sein Leben seine Kunst.
Art Republik spricht mit Ryan Su über seine Sammlung von Warhol Polaroids als Teil seiner breiteren Sammlungsinteressen, seine Arbeit mit der Stiftung und was er mit der Ausstellung erreichen möchte.
Race Riot, 1964
Wie sind Sie auf den Titel "Andy Warhol: Social Circus" gekommen?
Warhol war in seinen frühen, prägenden Jahren mit Bildern der Popkultur überflutet.Er liebte Zeitschriften, erlebte die Einführung des Fernsehens, den Einkaufsboom auf der Hauptstraße und sammelte Fotos von Stars. Diese visuelle Kultur war auf Konsum ausgerichtet. Da er jedoch aus einer armen Familie aus Pittsburgh stammte, konnte er nicht daran teilnehmen. Als Außenseiter war er ein Beobachter, der hineinschaute. Später im Leben und im Kreis umringten ihn Prominente, Künstler und Modedesigner, als sein Ruhm als Pop-Art-Künstler anstieg. In The Factory and Studio 54 erweiterte sich sein sozialer Kreis jeden Abend - um Prominente, Filmleuchten und Bewohner der New Yorker Unterwelt und Gegenkultur wie Drag Queens und Drogenabhängige. Aber mit ihren Spielereien, LSD, Alkohol, Ausschweifungen und Kunst wurde es bald zu einem „sozialen Zirkus“.
Wann haben Sie angefangen, sich für Kunst zu interessieren?
Lange Zeit fand ich die Art von Kunst, die ich einschüchternd an weißen Wänden hängen wollte, die von kalten Galeristen bewacht wurden. Ich bin sicher, dass viele Menschen, die sich für Kunst interessieren, das gleiche Gefühl teilen würden. Meine Vorbehalte haben sich bis zu einem gewissen Grad als richtig erwiesen. Trotzdem habe ich einige der herzlichsten, freundlichsten, großzügigsten und faszinierendsten Menschen der Kunstwelt getroffen. Ein Teil meiner Arbeit mit der Ryan Foundation besteht darin, die Grenzen zwischen der Kunstwelt und der „Öffentlichkeit“ zu überwinden. Eine Show wie diese zu machen würde genau das tun!
Wann hast du angefangen zu sammeln? Hat Ihre Sammlung ein bestimmtes Thema oder einen bestimmten Schwerpunkt?
Meine Kunstsammlung begann zufällig in London, wo ich Kunstrecht studierte. Ich bin von der Natur inspiriert und sammle viele Werke, die die Natur darstellen, auch in abstrakter Form - aber manchmal weiche ich ab. Ich sammle Werke nur von wenigen Künstlern. Ich mag es, meine eigenen Forschungen zu machen, tief in ihre Werke zu graben und von dort aus eine bedeutungsvolle Sammlung aufzubauen. Ich erkunde auch gerne Teile ihrer Werke, die kaum Beachtung gefunden haben oder vergessen sind. Es ist dieses Streben, das mich am Laufen hält.
Wie sind Sie zu Ihren ersten Andy Warhols Polaroids gekommen?
Warhols Polaroids überzeugen. Die soziale Relevanz des Warhol-Selbstporträts Polaroid ist in dieser Welt der Selfies, in der Narzissmus, Selbstanbetung, Perfektion und Selbstbild allgegenwärtig sind, kaum zu übersehen.
Ich habe mein erstes Polaroid erworben, als ich in Großbritannien studierte. Aber sehr bald danach versuchte ich, sie loszuwerden und zu verkaufen, weil ich sie nicht richtig behalten konnte. Zu dieser Zeit hatte ich kein richtiges Kunstlager und ich wusste, dass eine Rückführung nach Singapur sie zerstören würde, da das tropische Klima nicht das idealste war. Einige Jahre später bedauere ich zutiefst meine Entscheidung, sie loszuwerden, da ich einige fantastische hatte. Jetzt habe ich mit einem geeigneten Lager die Sammlung wieder aufgebaut. Besser noch, sie haben jetzt ein Publikum!
Ein Porträt des Kunstsammlers Ryan Su
Was macht Andy Warhol Ihrer Meinung nach zu einer so wichtigen Figur in der zeitgenössischen Kunst und Kultur?
Ich glaube, dass das relevantere und wichtigere Argument dafür, warum Warhol eine so wichtige Figur ist, darin besteht, dass er ein Visionär ist. Warhol hatte eine enorme Weitsicht. Er beschäftigte sich mit Dingen und Stilen, die letztendlich zu Trends werden würden. Wer hätte gedacht, dass Tarnmuster die Modewelt im Sturm erobern würden, Selfies der Wahnsinn sein würden oder dass Menschen nur dafür berühmt sein würden, berühmt zu sein?
Was ist die Lieblingsarbeit von Andy Warhol?
Zu meinen Favoriten in dieser Ausstellung gehören die Bianca Jagger Polaroids. Sie sind selten in dem Sinne, dass sie ein Triptychon bilden. Das Schöne am Polaroid ist, dass die einzige Möglichkeit, sie zu „reproduzieren“, darin bestand, mehrere Aufnahmen zu machen - und jedes Polaroid ist einzigartig und besonders, da es im Bruchteil von Sekunden aufgenommen wurde. Sie zeigen dem Betrachter, was Warhol selbst in den verschiedenen Bildern sieht, während sich sein Promi-Motiv fast wie eine Animation darstellt. Die kontrastreichen Bilder, die mit der Polaroid-Kamera erstellt wurden, ließen Fehler und Unvollkommenheiten aus - was Warhols Streben nach Perfektion und Glamour unterstützte. Die Bianca Jagger Polaroids verkörpern sein charakteristisches Design und seine Technik. Sie fühlt sich wohl - ihre Haare, ihr Gesicht und ihr Hals sind absolut atemberaubend.
Wie ist diese Ausstellung entstanden?
Ich hatte die Idee, eine private Dinnerparty zu organisieren, die zu einer Privatshow mit den Warhol Polaroids während der Singapore Art Week 2016 für meine besonderen Gäste passt, die zur Kunstmesse und zu verschiedenen Veranstaltungen fliegen würden. Ich beschloss später, es stattdessen zu einer öffentlichen Show zu machen. Es wäre erstaunlich, diese vor Jahrzehnten aufgenommenen Polaroids mit allen zu teilen und den Menschen heute eine Verbindung zu Selfies herzustellen.
Story Credits
Text von Nadya Wang
Dieser Artikel wurde ursprünglich in Art Republik veröffentlicht
Alle Polaroids mit freundlicher Genehmigung der Ryan Foundation. Alle anderen Bilder mit freundlicher Genehmigung der Andy Warhol Foundation
