Ästhetische Schulden: Was High Fashion Asien schuldet

Wer sagt, dass Mode in einer eigenen Blase existiert? Designer und Häuser beziehen heute mehr denn je Inspiration und Referenzen aus aller Welt. Nirgendwo ist dies so offensichtlich wie in der Beziehung der High Fashion zum Osten. Der verführerische Orient ist seit langem eine Goldmine für dekorative Akzente. Christian Diors Liebe zum Osten veranlasste ihn, ein Kleid zu kreieren - in der wunderschönen New-Look-Silhouette mit gekniffener Taille und aufwändigem Volumen - bedeckt mit japanischen Kritzeleien, die von einem alten Druck stammen. Die Wörter? Etwas über Stuhlgang und Bauchschmerzen. Ein lustiges, aber aussagekräftiges Beispiel für die Ergebnisse guter Absichten und unabsichtlicher Hinrichtung.

Gerne haben Designer heute den Luxus der Forschung und die Verfügbarkeit einer globalen Weltanschauung (danke, Google), die zu einer intelligenteren Art geführt hat, den Osten nach Inspiration abzubauen - und diese sollte gefeiert werden. Die Schlüsselausstellung 2015 des New York Metropolitan Museum of Art, China: Durch den Spiegel, war ein bedeutendes Beispiel für die Einflüsse des Ostens auf die Mode. Was es erreichte, war eine einfache Demonstration, dass China praktisch jeden High-Fashion-Designer ästhetisch beeinflusst hat. Das „Spiegelelement“ der Ausstellung sollte jedoch stark daran erinnern, dass China und der Rest Asiens keine weit entfernten orientalischen Geheimnisse sind. Seine Relevanz und sein Einfluss erfordern fast, dass Designer, die Referenzen auswählen, dies mit intelligenter Sensibilität und nicht mit reduktiver Pastiche tun.

Japan in Paris

Maison Margiela

Zwei der wichtigsten japanischen Designer - Rei Kawakubo und Yohji Yamamoto - sind seit über 40 Jahren im Geschäft und beginnen in den 1970er und 1980er Jahren. Es ist faszinierend, ihre Ästhetik und ihre Auswirkungen auf die Branche zu bewerten. Wir müssen uns daran erinnern, dass die beiden in der Pariser Mode so einflussreich und bemerkenswert waren, weil das, was sie zeigten, widersprüchlich war. Als westliche - also euro-zentrierte - Mode Kleider um den glamourösen, sexualisierten weiblichen Körper baute, stürmten Kawakubo und Yamamoto herein und boten erfinderische Formen, Silhouetten, Schnitte und eine beharrliche Verwendung der Farbe Schwarz. In der Tat wurde die Marke Yamamoto für ihre meisterhafte Handwerkskunst, die schützende Umarmung des Körpers und die Intelligenz verehrt, die ein Gefühl der Sicherheit für den Träger schafft - Kleidung als sprichwörtliche Rüstung.

Auch Kawakubo wurde berühmt dafür, unerbittlich sie selbst zu sein. Comme des Garçons hat sich mit seinen zahlreichen Ablegerlinien - Junya Watanabe, Noir Kei Ninomiya und Ganryu stammen alle von Kawakubos Schützlingen - und den meinungsführenden Dover Street Market-Läden zu einer Modellmarke (siehe Abbildung oben) entwickelt. Die künstlerische Stärke bleibt die von Kawakubo selbst entworfene Hauptlinie von Comme des Garçons, die stets einzigartig, gewagt und avantgardistisch ist.

Kenzo steht heute dank der Kreativdirektoren Carol Lim und Humberto Leon für optimistische Erreichbarkeit. Die Gründer der Eröffnungsfeier bringen einen kommerziellen New Yorker Gedankengang in die Marke ein, der sie mit dem ursprünglichen Geist des Gründers in Einklang bringt. Der Mann selbst, Kenzo Takada, eröffnete seine Pariser Boutique Jungle Jap und verkaufte seine hellen und lustigen multikulturellen Drucke. Eine der wichtigsten Säulen der Kenzo-Mode ist der Sinn für Spaß und Jugend. In Kürze wird Kenzo eine gemeinsame Kollektion mit H & M herausbringen, eine aus einer Reihe von Sonderausgaben mit Marken wie Lanvin, Maison Martin Margiela, Balmain, Isabel Marant und Karl Lagerfeld. Auf in die Zukunft.

Wenn man von der Zukunft spricht, darf man niemals die japanische Marke vergessen, die technische und kreative Grenzen überschritten hat. Issey Miyake ist wichtig für die Mode, weil er die Technologie liebevoll umarmt und die Marke die Form und Funktion von Kleidern erforscht. Miyakes früheste Arbeiten wurden um den japanischen Kimono herum gebaut und das traditionelle Kleidungsstück dekonstruiert, um den Kern dessen zu erreichen, was faltbare Kleidungsstücke zum Funktionieren bringt. Er spielte mit Dimensionalität und entwickelte eine Kleidungslinie, die sanft skulptural war. Seine berühmte heißgepresste Falttechnik brachte die Pleats Please-Linie hervor, und die geformte, aber drapierte Silhouette ist seitdem einzigartig. In der FW16-Kollektion huldigt der aktuelle Kreativdirektor Yoshiyuki Miyamae respektvoll mit Kleidungsstücken, die mit Falttechniken hergestellt wurden, die die Marke als „gebacken gestreckt“ und „3D dampfgestreckt“ bezeichnet. Die Marke ist weiterhin bestrebt, die Auswirkungen der Technologie auf die Stoff- und Bekleidungskonstruktion zu untersuchen.

Kulturelle Einflüsse

Valentino

Die höchsten Modeebenen verdanken Asien eine ästhetische Schuld. Die ursprünglichen Größen aus Paris wie Christian Dior, Yves Saint Laurent, Paul Poiret, Madeleine Vionnet und Coco Chanel ließen sich von verschiedenen Facetten der Chinoiserie und des Japonismus inspirieren. Es gibt ein Pastiche-Element, das nicht außer Acht gelassen werden kann, obwohl man es auf die Zeit zurückschreiben kann. Yves Saint Laurent würdigte in den 1970er Jahren Cheongsam und Qipao Silhouetten mit Hüten und Jacken, inspiriert von kaiserlichen chinesischen Kleidern. In Tom Fords endgültiger Kollektion für das Haus im Herbst 2004 wurden solche Looks verstärkt, um Sinnlichkeit und sexuelle Kühnheit hervorzuheben. Die figurbetonte und hochgeschlitzte Kleidung demonstrierte Fords hochoktanige Sex-Sells-Mentalität und seine Fähigkeit, traditionelle Kleidungsformen der Zeit anzupassen.

Coco Chanel war eine berühmt verliebte Sammlerin von lackierten Coromandel-Bildschirmen aus China und dekorierte ihr Haus und ihre Büros in der Rue Cambon mit mehr als 30 von ihnen. Die Kollektionen von Karl Lagerfeld bauen auf der Besessenheit auf, insbesondere mit einer Métiers d'Art-Show 2009 in Shanghai, die seine Stärke ausspielte, das Erbe von Chanel mit den Bedürfnissen moderner Frauen zu verbinden. Das Ergebnis: eine moderne chinesische Haltung, die mit den unbedeutenden Bouclé-Rockanzügen des Hauses getragen wird. Lagerfeld unternahm dann eine Reise nach Indien in der Show Paris-Bombay Métiers d'Art 2012: traditionelle indische Kleidungsstile wie Salwar-Hosen (voluminöse Hosen, die sich in der Nähe der Knöchel stark verjüngen) und Kurti (lange, tunikenlange Blusen) wurden mit Chanels legendären Perlen und Tweeds kombiniert. Wenn es darum geht, Referenzen zu machen, ist Lagerfeld ein Meister; Die Mischung ist einfach und verbirgt tiefe Forschung und Finesse im Bauen.

John Galliano förderte Diors Liebe zum Orient, als er mit den berühmten Haute Couture-Shows SS07 und SS09 für das Haus entwarf. Im Frühjahr 2007 wurden moderne Geishas in Chartreuse-, Lavendel- und rosafarbenen Bar-Silhouetten in Seidentaft mit Origami-Stil geschnitten. Im Jahr 2009 schlich sich das allgegenwärtige Weidenmuster auf chinesischer Keramik unter die Futter, auf die Innenseiten und um die Außenseiten der Kleider - eine Delikatesse für die Kleidung, die durch die Berufung auf ein Schlüsselprodukt des Handels verliehen wurde, das China seit Jahrhunderten mit dem Westen teilt.

Die heutige Einstellung

Valentino

Moderne Couturiers spielen ein differenzierteres Referenzspiel. Betrachten Sie Valentinos Haute Couture im Frühjahr 2016. Die Silhouetten und der Schub des Looks waren die jenseitige und ultra-weibliche Signatur, für die Maria Grazia Chiuri und Pierpaolo Piccioli bekannt geworden sind. Mäntel und Roben im Kimono-Stil mit handbemalten Karpfen und Drachen stammen aus der mythologischen Quelle des Ostens. Dies folgte der visuellen Geschichte in der Pre-Fall 2016-Kollektion der Marke, die handgemalte und intarsia-artige Drachen und Schwalben, Pyjamas mit brokatierten Schwänen und Etuikleider mit vornehmen Vogel- und Blumengemälden aus dem 10. Jahrhundert enthielt.

In Guccis FW16-Kollektion schickte Alessandro Michele eine schwindelerregende Anzahl von 70 Blicken über seine Landebahn. Die Michele-Methode besteht darin, für eine Vielzahl von Frauen verschiedene Charaktere zu kreieren, die es wagen, an der Charakterisierung der Verkleidung teilzunehmen und daran teilzunehmen. Zwei asiatisch informierte Blicke schlenderten die Landebahn entlang: der erste, ein Minikleid mit einem italienischen Sonnenmotiv und einem Mao-Kragen; Das zweite ist ein bodenlanges Qipao mit rosa Pelzbesatz an den Ärmeln und einem gestickten Phönixmuster.

Bei Louis Vuitton und Kenzo strebten die Marken eine Cartoon-Idealisierung von Frauen an. Nicolas Ghesquière hat eines der besten Talente der Branche, um jugendliche Energie zu nutzen und ihr eine raffinierte Wendung zu geben. Erinnern Sie sich an die Werbekampagne des Frühlings 2016: Der virtuelle Avatar von Lightning (eine der Hauptfiguren in den Final Fantasy-Spielen) schwingt um eine Tasche, schlägt Posen ein und sieht perfekt aus. Es ist erwähnenswert, dass der Blitzcharakter in den Spielen ein Kämpfer ist - sogar der stärkste spielbare Charakter. Dies spiegelt sich auch in der Kleidung wider: Die Sensibilität der urbanen Heldin spiegelt sich in den übertriebenen Silhouetten von FW16 wider, wobei der Schwerpunkt auf schweren Stiefeln, getäfelten Bodys und panzerartigen Lederbustiers liegt. In Kenzo war der Gedankengang Sailor Moon, die beliebte Shōjo-Ikone der 90er Jahre für weibliche Befreiung und Stärke. Es nahm den Geist des Vertrauens und der Inbegriff von Weiblichkeit und übersetzte es in eine Fülle von Empire-Taillen und dekonstruierten Seesäcken mit einem Hauch von überarbeiteter Archiviris, Löwenzahn und Tigerdrucken (Kenzo ist bekannt für seine Druckarbeiten).

Dior

In technischer Hinsicht blicken wir auf Raf Simons erste Haute Couture-Kollektion für Dior in der Herbstsaison 2012 zurück. In der Sammlung brachte Simons Mäntel und Kleider mit einer indonesischen Technik, die mit einem französischen Auge gesehen wurde, mit abstrakten Sterling Ruby-Drucken auf. Die ursprüngliche Technik Ikat ist eine frühe Form des Kettdrucks. Beim Kettdruck wird der Stoff vor dem Weben auf dem Garn gefärbt, im Gegensatz zu herkömmlichen Methoden, bei denen ein Druck auf einen fertigen Stoffhof gestempelt wird. Der resultierende Druck ist wackelig und alles andere als scharf und - um Herrn Simons zu zitieren - „hat die Qualität eines Pinselstrichs“. Im 18. Jahrhundert war dies die gleiche Qualität, die zur französischen Gründung von Chiné a la Branche führte, einer Variation des Ikat Drucktechnik, die kleine, aquarellartige Blumendrucke auf Seidentaftstoffen hervorbrachte, die auf dem Rücken von Marie Antoinette und ihren Zeitgenossen Gunst und Mode fanden.

Was Asien heute für Luxus und High Fashion darstellt, ist ein fruchtbarer Boden für Wachstum und Erforschung. Die massive chinesische Wirtschaft bietet Wachstumschancen mit einer riesigen Verbraucherbasis, die sich nach Prestige und Glanz des Luxus sehnt. Was Modedesigner also beachten müssen, ist, ihr Publikum mit der Schönheit zurückzuzahlen, die sie ausgeliehen haben.

Dieser Artikel wurde erstmals in L’Officiel Singapore veröffentlicht.