Interview: Künstlerin Jane Lee
Die in Singapur lebende Künstlerin Jane Lee ist bekannt für ihre innovative Arbeit in der Malerei. Sie stellt das traditionelle Medium kontinuierlich auf den Kopf und erkundet neue Möglichkeiten, um Gemälde als Kunstwerke zu präsentieren, die nicht durch die Grenzen der Leinwand eingeschränkt sind.
Für ihre kürzlich abgeschlossene Residency am Tyler Print Institute (STPI) in Singapur machte Jane eine Pause vom Malen, um mit anderen Medien zu experimentieren, und hat ein neues Werk geschaffen, das das mit ihren früheren Werken vertraute Publikum überraschen und begeistern wird.
Art Republik setzt sich mit Jane zusammen, um mehr über ihre Liebe zur Malerei, die Entwicklung ihrer Arbeit im Laufe der Jahre und ihre Show „Freely Freely“ bei STPI zu erfahren, die Anfang dieses Jahres während der Singapore Art Week stattfinden wird.
Status, 2009
Wie hat sich Ihre Arbeit im Laufe der Jahre entwickelt? Was verändert deine Arbeit von Stück zu Stück?
Ich hatte keine Ahnung, dass ich ein Vollzeitkünstler werden würde; Ich wollte Modedesignerin werden. Also fing ich mit dem Malen an. Die Idee des Malens ist, dass es ein zweidimensionales Objekt an der Wand ist, aber ich sah mein Gemälde allmählich als Installationen. Für mich ist die Wand, an der das Gemälde montiert ist, Teil der Arbeit, weil alles, was sich um das Gemälde herum befindet, mit ihm interagiert.
Was macht das Malen zu einem so überzeugenden Medium?
Ich mag Farbe und ich mag das Gefühl, mit Farbe zu spielen. Sogar der Geruch von Farbe gefällt mir. Vor ungefähr 10 Jahren, als ich mich ernsthaft mit dem Malen beschäftigte, begann ich mich zu fragen, was das Wesen des Malens ist. Ich fragte mich, ob es andere Möglichkeiten gäbe, Bilder zu machen, und schaute mir den traditionellen Prozess und die Techniken an, mit denen ein Gemälde gemacht wurde. So begann ich mit dem Medium zu spielen.
Käfigvögel, 2015
Können Sie uns durch den Prozess der Erstellung eines Kunstwerks führen, vom Konzept bis zur Ausführung?
Ich bin eine sehr praktische Person. Als ich anfing, auf traditionelle Weise zu malen, plante ich viel und setzte mich hin und schuf Kompositionen für meine Werke. Dies änderte sich 1999, als ich nach London ging, um mehr über zeitgenössische Kunst zu erfahren. Ich besuchte einen Workshop, in dem der Dozent Farbe auf Papier auf den Boden warf und die Klasse anwies, nur zu spielen. Das hat mir die Augen geöffnet. Und das wollte ich tun. Mir war klar geworden, dass es zu dem Zeitpunkt, an dem ich alles plante, wirklich kein Leben in der Arbeit geben würde. Ich begann mehr mit meinen Instinkten zu gehen und zu spielen.
Woher wissen Sie, wann ein Kunstwerk fertig ist?
Ich nehme an, ein Kunstwerk kann nie wirklich fertiggestellt werden. Wenn eine Arbeit zu mir spricht, ist sie erledigt. Es ist emotionaler als intellektuell. Ich rede viel mit meinem Bild. Es ist ein interaktiver Prozess. Gemälde sind in gewisser Weise lebendig, obwohl sie nicht sprechen. Sie haben bestimmte Tendenzen. Es gibt eine Art Verhandlung zwischen dem Künstler und dem Werk, das gerade Kunst macht.
Befreie mich VI, 2015
Wie wählen Sie die Werkzeuge aus, mit denen Sie Ihre Kunstwerke erstellen?
Traditionell werden Gemälde mit Pinseln gemalt und erzählen meistens eine Geschichte. Ich finde Werkzeuge aus meinem täglichen Leben, wie Küchenutensilien, um meine Kunst zu machen.
Könnten Sie uns durch den Prozess der Herstellung eines Kunstwerks führen?
Nun, am Morgen, wenn ich in mein Studio komme, fühle ich mich vielleicht ziemlich glücklich und möchte leuchtendes Rot verwenden, aber im Laufe des Tages, und vielleicht höre ich Lieder, dann kann sich meine Stimmung ändern und dann mein Malen kann etwas dunkel werden. Ich mag es nicht, etwas zu erzwingen. In gewisser Weise hängt die Entwicklung einer Arbeit davon ab, wie ich mich an einem bestimmten Tag fühle.
Wie lange brauchst du, um ein Kunstwerk fertigzustellen?
Bei großen Arbeiten kann es sechs Monate bis ein Jahr dauern. Manchmal arbeite ich an einem Stück und dann, auf halbem Weg, gibt es keinen Energiefluss, und so würde ich es vorerst beiseite legen und zu einem späteren Zeitpunkt darauf zurückkommen.
Wicklung VI, 2015
Verwerfen Sie irgendwelche Werke?
Viele.
Wie entscheiden Sie, was Sie behalten möchten?
Du weißt es einfach.
Ist der Prozess der Erstellung Ihres Kunstwerks wichtiger als das Aussehen des Endprodukts?
Ich würde sagen, wenn es nicht 100% ist, zählt der Prozess für 80% und das Endprodukt für 20%.
Möchten Sie, dass die Leute neugierig auf den Prozess sind?
Natürlich. Es wäre großartig, über die Oberfläche und die Farben hinauszuschauen. Ich möchte, dass sie mehr Fragen zum Thema Malerei als Medium und zum Herstellungsprozess eines Gemäldes stellen.
100 Gesichter, 2014
Könnten Sie über Ihren Alltag als Künstler sprechen?
Ich beginne meinen Tag mit Yoga und Meditation. Das ist wichtig, um mehr mit mir in Einklang zu bleiben. Dann gehe ich in mein Studio und beginne zu arbeiten. Wie ich arbeite, hängt von meinen Fristen ab. Wenn ich in Eile bin und sehr intensiv arbeiten muss, etwa für eine Einzelausstellung, würde ich mich dann lange Zeit weigern, wieder ins Studio zu gehen. Das heißt, mein Geist denkt immer nach, schaut sich um, sucht nach Inspiration aus meinem täglichen Leben, sei es von einem morgendlichen Spaziergang oder in einem Gespräch mit jemandem.
Möchten Sie sich inspirieren lassen, ins Museum zu gehen oder Ausstellungen anderer Künstler zu besuchen?
Tatsächlich vermeide ich es, zu viele Werke anderer Künstler zu sehen. Wenn Sie zu viel sehen, sickern manchmal bestimmte Dinge, die ich mag, unbewusst in meine Arbeit ein. Das tägliche Leben ist meine Inspirationsquelle, sei es von einem morgendlichen Spaziergang oder einem Gespräch mit jemandem. Dinge, die ich um mich herum sehe, was die Leute sagen - das sind die kleinen Dinge, die meine Inspirationsquellen sind.
Hattest du Künstler, zu denen du aufgeschaut hast, als du angefangen hast?
Das wäre Robert Ryman. Das Faszinierende an ihm ist, dass er kein ausgebildeter Maler ist. Ich denke, weil er nicht die Last hat zu wissen, was ein Maler tun soll, kann er seine erfrischenden Kunstwerke entwickeln.
Erwachen, 2015
Aber halten Sie es für wichtig, zuerst die Grundlagen zu lernen?
Ich denke, Grundkenntnisse können einem Maler bei der Bereitstellung von technischem Know-how, beispielsweise beim Mischen von Farben, gute Dienste leisten. Sobald diese Fähigkeiten erlernt sind, kann wahrscheinlich erst dann etwas Neues geschaffen werden, wenn sie fallengelassen werden.
Was kommt zuerst: die Titel Ihrer Bilder oder die Bilder selbst? Wie funktionieren die Titel wie "Status" (2009), die sich in der ständigen Sammlung des Singapore Art Museum befinden, oder "100 Faces" (2014), die in Ihrer Einzelausstellung in der Sundaram Tagore Gallery in Singapur gezeigt werden, zusammen mit Ihren Gemälden? mit dem Publikum kommunizieren?
Mit "Status" habe ich den Status des Gemäldes in Frage gestellt. Einer der Kuratoren der Singapore Biennale 2008 sagte mir, dass ich der einzige ausstellende Maler sein würde. Das Gespräch blieb bei mir. Ich fand es überraschend, dass es so wenige Maler in der Kunstszene gab, als die meisten Künstler wahrscheinlich anfingen, als Maler ausgebildet zu werden. Ich dachte damals, dass das Malen als Medium vielleicht tot sei und kein Platz mehr zum Spielen darin sei. Das Kunstwerk ist eine Erkundung des Standes der Malerei in der regionalen zeitgenössischen Kunstszene.
Ich erinnere mich, dass ich bei „100 Faces“ daran gedacht habe, dass die Leute große Gemälde zeigen wollten, die sehr schwer waren. Ich beschloss, meine Arbeit in 100 kleinere und weniger schwere Stücke zu zerlegen, die zu einem großen Gemälde zusammengefügt werden konnten. Darüber hinaus war es auch ein Kommentar darüber, wie ein Gemälde viele Gesichter haben kann oder dass es viele Möglichkeiten gibt, ein Gemälde zu schaffen, und dass Menschen unterschiedliche Charaktere haben, die in der Gesellschaft verschiedener Menschen entstehen.
Teilen Sie diese Geschichten über die Entstehung dieser Kunstwerke mit dem allgemeinen Publikum?
Normalerweise würde ich nicht teilen, aber wenn die Leute fragen würden, würde ich mich freuen. Ich möchte dem Betrachter nicht zu viel aufzwingen und diktieren, was er in den Kunstwerken sieht.
Nur einen Moment, 2015
Lassen Sie uns über Ihre neuen Arbeiten bei STPI sprechen, die sich nicht auf Gemälde konzentrieren. Es ist eine neue Richtung für Sie. Ist das eine bewusste Entscheidung?
Ich wollte für eine Weile nicht mehr malen, hatte aber keine Entschuldigung dafür gefunden. Ich dachte, dies wäre eine gute Gelegenheit, alles außer Malerei zu erkunden und die Einrichtungen von STPI gut zu nutzen. Es war ein gutes Timing, dass ich zu dieser Zeit eingeladen wurde.
Warum der Titel "Frei, Frei"?
Ich wollte einen positiven Titel für die Show. Mein Ansatz, meine Kunst zu machen, ist glücklich. Gefangen sein und frei sein sind zwei Themen in der Ausstellung. Bei der Serie „Aufwickeln“ kann beispielsweise das Aufwickeln des Papiers das Gefühl vermitteln, gefangen zu sein. Die Stifte in den Spulen geben einen stärkeren visuellen Ausdruck des Einklemmens. Auf einigen Werken sitzen Vögel auf den Stecknadeln, die als Symbole der Freiheit angesehen werden könnten.
Abgesehen von Papierarbeiten haben Sie in der Show auch mit Acryl gearbeitet. Wie kam es dazu?
Das Team von STPI ist sehr offen für Ideen. Ich habe mich entschlossen, frei zu experimentieren, und habe Video und Animation sowie kombiniertes Papier mit anderen Medien wie Papier mit Ton und Papier mit Acryl aufgenommen.
Wie hat das Team von STPI Ihre künstlerische Praxis vorangetrieben?
Die meiste Zeit meiner Karriere habe ich alleine in meinem Studio gearbeitet. Wenn ich diese kleinen verrückten Ideen habe und es allein bin, ist es oft schwierig und kann länger dauern, und ich komme nicht dazu, daran zu arbeiten. Die Arbeit hier bei STPI hat mich aus meiner Komfortzone gebracht. Das fähige Team hier half mir beim Brainstorming und beim Erkennen von Möglichkeiten, und meine Ideen konnten in sehr kurzer Zeit umgesetzt werden.
Denken Sie, dass Sie nach dieser Show Ihre Praxis anders angehen werden?
Ich bin im Herzen ein Maler, und es gibt immer noch Raum, um mit Farbe zu spielen. Ich bin mir nicht sicher, welche Art von Malerei und ob sie meiner Arbeit ähneln wird. Was ich hier bei STPI entdeckt habe, würde sicherlich einige Auswirkungen haben, aber ich kann zum jetzigen Zeitpunkt wirklich nicht antworten, was ich tun würde. Ich mag die Idee, es nicht zu wissen. Wenn ich es schon weiß, würde ich es nicht tun. Ich möchte den Betrachter begeistern und begeistern, aber um das zu tun, muss ich das zuerst für mich selbst tun.
Story Credits
Text von Nadya Wang
Dieser Artikel wurde ursprünglich in Art Republik veröffentlicht.
Bilder mit freundlicher Genehmigung von STPI
